👩🎨设置临时规则 Temporary Rules
很多艺术创作过程都要忽略一些规则，无视或者削弱，甚至根除那些我们下意识中遵循的规则。但也要留些空间给那些有用的规则，可以把它们当做工具去定义一个项目。
当没有素材、时间和预算限制时，你有无限的选择，而当你接受限制，你的选择空间就变小了，不论是受迫于设计还是其他必要因素，把这种限制看做机会是有好处的。
把这个限制当作每个项目独立配置的调色盘，因为有这个限制，待解决的问题就变得更具体。有些显而易见的办法也许不再奏效，但这个限制能赋予新作品独特的品质，它具有突破性的潜能，与过往的工作区别开来。新奇的问题往往带来独创性的答案。
Georges Perec 曾写过一本书，整本书中没有用到法语中最常见的字母：e 因此它成为现代文学中最杰出的实验作品。
画家 Yves Klein 决定只用一种颜色作画，因此他发现了一种从未有人使用过的幽暗蓝色。这个色彩后来被人们看做事实上的作品，并且被命名为「国际克莱因蓝」。
导演 Lars von Trier 设置了十条规则，称作道格玛宣言（Dogme 95 The Vow of Chastity），用以减少电影拍摄中的人工干预，他们包括：
拍摄必须在现场进行，并且不提供影片逻辑上不存在的道具和布景。
只有现场配乐。声音不能是后期制作的，例如添加拍摄现场不存在的音乐。
全部拍摄必须手持完成。移动的，固定的，甚至需要稳定的镜头全部通过手持摄像机完成拍摄。
影片必须是自然光下的色彩，不用特别的灯光。如果光线不足，就在摄像机上接单一光源照明。
不用滤镜或其他镜头上的光学处理。
没有肤浅的表演（例如舞台式的谋杀动作，精心策划的特技等）
地理位置的疏离被严格禁止，意思是电影必须在此时此地拍摄。
不能是类型电影
只能用35mm 胶片
不得提及导演
这十条规则声明发布后的三年，第一部 Dogme 95 影片由 Thomas Vinterberg 发布了。片名叫做 The Celebration（Festen），这部影片大获成功，赢得了 1998 年肯尼斯电影节的 Jury 奖。
受 Von Trier 的启发，键盘手 Money Mark 声明了一组相似的规则，应用在音乐领域，之后成功录制了他最受欢迎的专辑。
垒球和篮球规则分别定义这两种运动，很少会改变，创新只能存在于那些规则里。作为艺术家，我们在每次创作时都需要创建一组规则。如果有新的发现迫使，我们也可以在创作期间打破这些规则，但必须经过谨慎的考虑，如若很轻易地做出改变，不去严肃对待规则，那么规则的作用也就不大。
规则不分好坏，只看是否符合创作条件，是否服务于创作。如果目标是创造最美妙的作品，那么只要有助于此的规则都是有意义的。
对已经成名的艺术家来说，带着规则负担去创作是最有价值的。如果你已经在某些行业或领域有所建树，那么临时规则有助于帮你打破某种范式。它们可以激发你变得更好，去创新，去引出自身或者作品新的一面。
有些音乐大家选择切换到不熟悉的乐器或者媒介，因为这样的挑战能超越他们技能的限制， 掲示他们作为艺术家的内在本质。
设置一些限制强制你离开舒适区吧，如果你一直在电脑上写作，那么尝试一下换成笔记本；如果你是右撇子，试试用左手作画；如果你擅长基于旋律创作，那么试试换成和弦；如果你用专业设备拍摄，考虑用手机拍摄一部完整的电影；如果你总是为饰演一个角色充分准备，那么试试完全即兴发挥。
无论你选择什么，确定一个框架能够打破你的日常节奏，看看它能为你带来什么样的改变。根据你设置的不同种类的限制，与无限制情况想比，作品将变得完全不同，是否变得更好无关紧要，目标是自我探索。
如果你是典型的短文写手，也许你该试试写长篇。你可能不喜欢这种形式，但你很有可能在写长篇的过程中学到新东西，从而改进你的短篇写作。即便打破规则，你也会对过去的选择有更深刻的理解。
一些成功的艺术家考虑改变风格或创作方法时，会担心他们的受众有顾虑。艺术家们会问：我的观众能跟上这种变化吗？
在探索新的边界时，你很可能会失掉一些粉丝，但是新的粉丝也会出现。无论如何，将你的创作限定在你熟悉的人群，对你自己和你的观众都是一种伤害。好奇和探索的能量，也会在一次次地原地踏步中会逐渐流失。
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